Forms, por Santi Vilanova. Crédito: Santi Vilanova
ARS ELECTRONICA BARCELONA GARDEN SHOW
Fechas: Desde 9.9.2020 a 20.9.2020
Horario: Martes a sábado: 11 a 14 h / 16 a 20 h. Domingos y festivos: 11 a 14 h / 15 a 19 h CEST
Lugar: Arts Santa Mònica. La Rambla, 7. Barcelona.
Entrada: libre. No es necesaria inscripción previa.
La exposición presentará las adquisiciones y producciones más recientes de la Colección BEEP: Das tangible Bild y The Endless Sandwich ambas del célebre artista y teórico alemán Peter Weibel, fundador y director del ZKM Centre for Art and Media de Karlsruhe y Vestibular_1 de Albert Barqué-Duran & Marc Marzenit, que se estrena en esta ocasión.
También se expondrán tres obras inéditas, producidas gracias a las becas concedidas a Mónica Rikić por New Home of Mind, Roc Parés por Doble Consciència y Santi Vilanova por Forms – Screen Ensemble. Los tres proyectos han sido seleccionados a través de una convocatoria pública de producción y exhibición del Institut Ramon Llull, NewArtFoundation y Hangar en colaboración con la Colección BEEP.
La muestra ofrece un ejemplo representativo de la actividad de la Colección Beep, un colección catalana con vocación internacional, que no se dedica sólo a atesorar obras, sino que desempeña una importante actividad de producción de proyectos de artistas tanto emergentes como consolidados y de recuperación, restauración y conservación de obras pioneras, imprescindibles para construir la historia del arte electrónico.
La exposición del Garden Barcelona se podrá visitar en Arts Santa Mònica durante los días del festival y se prolongará hasta el 20 de septiembre, para participar en la edición extraordinaria de Sónar+D CCCB, que tendrá lugar en el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona el 18 y 19 de septiembre.
OBRAS
New Home of Mind. Mónica Rikić. 2020
Instalación artística de ficción futurista que trata de la percepción de la identidad en entidades artificiales inteligentes y abarca la posibilidad de una genuina espiritualidad artificial. Parte de la idea de un robot consciente con una crisis existencial después de que se le haya quitado el propósito de su vida de su código. Ahora, busca el significado de su existencia a través de una interfaz espiritual artificial. Este proyecto representa esa interfaz como un robot divino, mientras indaga sobre la espiritualidad artificial y revela reflexiones y pensamientos entre el ciberpunk, la tecnoética y el tecnohumanismo.
¿Qué sucede con nuestra autopercepción y desarrollo emocional en un mundo gobernado por un Dios autómata?
Mónica Rikić (ES)
Artista de nuevos medios y creative coder de Barcelona. Utiliza el código, la electrónica y los objetos analógicos para crear obras interactivas enmarcadas como juegos experimentales. Su interés radica en el impacto social de la tecnología, la coexistencia hombre-máquina y la reapropiación de los sistemas y dispositivos tecnológicos, para manipularlos y repensarlos a través del arte. Desde los enfoques educativos hasta la experimentación sociológica, sus obras proponen nuevas formas de pensar e interactuar con el entorno digital que nos rodea. Ha participado en festivales como Japan Media Arts Festival, FILE Festival, A MAZE, Sónar y en ediciones anteriores de Ars Electronica, entre otros.
Doble consciència. Roc Parés Burguès. 2020
Doble Consciencia es una instalación audiovisual interactiva, inspirada en el estereoscopio, inventado por Sir Charles Wheatstone, durante el primer tercio del siglo XIX. Paradójicamente, mientras que Wheatstone estudió cómo la visión binocular nos permite percibir dos imágenes distintas como un solo objeto “sólido”, la intención de Parés es experimentar con la rivalidad binocular como vía de deconstrucción y cuestionamiento de la subjetividad individual: hackear la visión para hackear la consciencia. Actualmente, la estereoscopia se utiliza en la cartografía, en la cirugía, en la astronomía, en la microscopía y en la realidad virtual, pero los pares de imágenes discrepantes, vistos a través de los dispositivos convencionales, construyen siempre una visión unitaria. Según su propuesta, la visión discrepante de nuestros dos ojos puede convertirse en la puerta de entrada a un desdoblamiento de la atención consciente.
Técnicamente, la instalación es un haploscopio digital. Las imágenes se presentan en dos monitores laterales, que se miran a través de los dos espejos situados en el centro de la mesa elevable, frente a los ojos. Inicialmente las parejas de imágenes presentadas al visitante forman pares estereoscópicos que presentan imágenes tridimensionales. Progresivamente se van introduciendo variaciones en las parejas de imágenes, acentuando la diferencia entre ellas, llevando la discrepancia al límite de la rivalidad binocular. Finalmente, la experiencia termina con pares de imágenes realizadas expresamente con el fin de superar la rivalidad binocular y propiciar la hipotética emergencia de la Doble Conciencia de cada participante.
Doble Consciencia es un proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.
Roc Parés Burguès (MX)
Artista investigador en comunicación interactiva. Doctor en Comunicación Audiovisual (UPF, 2001), Licenciado en Bellas Artes (UB, 1992). Profesor de la Universidad Pompeu Fabra y Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de México. Sus trabajos artísticos han sido presentados en museos, centros de arte y festivales de Europa, América y Asia. Ha publicado con British Computer Society, Academic Press, MIT Press, entre otros. Comprometido con una cultura interdisciplinaria, la cual defiende por su potencial emancipador. Parés lleva treinta años explorando las intersecciones entre arte, ciencia, tecnología, pensamiento y sociedad.
Forms. Santi Vilanova. 2020
FORMS es un robot de música visual generativa.
Conducido por un conjunto de reglas basadas en la aleatoriedad y la probabilidad, puede generar un sinfín de puntuaciones gráficas. Estas partituras se sonifican automáticamente gracias a los algoritmos de síntesis de sonido espectral, desdibujando los límites entre las partituras y los espectros.
Los gráficos resultantes pueden enmarcarse dentro de la tradición de notación gráfica que cobró fuerza entre los compositores del siglo XX (John Cage, Iannis Xenakis, Karlheinz Stockhausen, Morton Feldman, Mestres Quadreny…) y que permitió liberar a la música de la rigidez de los pentagramas clásicos.
FORMS ha estado “soñando” sin interrupción durante más de 5000 horas y transmitiendo estos sueños de música visual en línea: https://www.twitch.tv/playmodes.
Tras un merecido descanso, y para la exposición de Ars Electronica, FORMS se materializa como un “Screen Ensemble”. Un tríptico de pantallas de gran formato interpretan un instrumento cada una: Ritmo, Armonía o Textura. Gracias a su cerebro en red, estos tres instrumentos están coordinados entre sí, interpretando cada uno de ellos una parte de una composición generativa en tiempo real que no se volverá a repetir nunca más.
Santi Vilanova (ES)
Licenciado en diseño gráfico y apasionado por el arte sonoro, Santi Vilanova ha sabido combinar estas dos disciplinas a través del catalizador de las “tecnologías creativas”, de las que es desarrollador autodidacta.
(de) Formado en la escena rave de principios del 2000, su trabajo sonoro ha ido evolucionando para integrar esta influencia underground en nuevos territorios. Sus recientes investigaciones mezclan algoritmos digitales o motores de sonificación con pentagramas clásicos y conjuntos acústicos, centrándose en la idea de una música visual.
Es fundador, junto con Eloi Maduell, del estudio de investigación audiovisual Playmodes, donde desarrollan proyectos a la vanguardia del diseño, el arte y la ciencia. Los intereses relacionados con la acústica, las matemáticas, la psicología de la percepción o los fenómenos de la luz cristalizan al amparo de Playmodes. Sus proyectos, de naturaleza ecléctica —desde escenografía de ópera hasta instalaciones inmersivas— tienen siempre como elemento común el uso creativo de las herramientas digitales y la búsqueda de un lenguaje audiovisual unificado.
Como parte de este colectivo, sus obras han sido expuestas en festivales de la luz (Fête des Lumieres, Signal, LlumBCN, Mapping Festival, LIT Bogotá, Chartres a Lumière…), en eventos de música electrónica (Sónar, Mira, LEV, DGTL, D4N Houston…), en instituciones de arte contemporáneo o de artes escénicas (ZKM, Festival de Arte de Macao, In Between Time, Ópera de Copenhague) y ha sido galardonado con distinciones internacionales en el campo de los nuevos medios (Mención Honorífica de Ars Electronica, LAUS, Premios de Música Visual o premios LAMP).
Actualmente también es profesor universitario en la escuela EINA (Universitat Autònoma de Barcelona), UOC y BAU (Universitat de Vic), enseñando a las nuevas generaciones de creadores multimedia.
Das Tangible Bild. Peter Weibel. 1991 / 2019
En la instalación informática interactiva Das tangible Bild [La Imagen Tangible], el espectador está de pie frente a una cuadrícula de coordenadas cartesianas. Es filmado de pie frente a esta cuadrícula por una cámara y ve la imagen proyectada en la pared opuesta. Cuando toca la pantalla de goma del monitor, que está en un pedestal en el medio de la habitación, la imagen proyectada se deforma. Así, puede interactuar con la imagen a través de una “pantalla táctil” tridimensional en tiempo real. Cada vez que se toca la pantalla, detrás de la cual están instalados los sensores, la información se envía a un ordenador al que se transfieren las imágenes en vivo de la cámara. En el ordenador, las señales del alabeo de la pantalla convertidas en datos digitales influyen en los datos que representan su imagen dentro del espacio. La pantalla y la red cartesiana se vuelven idénticas. Las distorsiones reales de la pantalla de goma aparecen en la imagen de proyección como distorsiones de la rejilla delante del espectador. Se enciende una interfaz (la pantalla de goma) entre la cuadrícula y la imagen de proyección. No son los cambios en la cuadrícula los que afectan a la proyección, sino los cambios en la interfaz. ¿Nuestro mundo es meramente el producto de una tecnología de interfaz, la interfaz del cuerpo natural?
Créditos
Artista: Peter Weibel
Interface / software: Bob O’Kane
Agradecimientos: Anita Beckers
The Endless Sandwich. Peter Weibel. 1972
Entre el televisor y el espectador existe una función que permite al usuario encender y apagar el aparato. Ha reproducido esta función y la ha convertido en el contenido del programa de televisión. Un carácter sándwich del proceso real y del proceso de reproducción, de reflexión y acción. En la pantalla, se ve una serie de espectadores sentados frente a los televisores. Se produce un fallo en el último televisor mostrado, lo que significa que el siguiente espectador tiene que levantarse para reparar la avería. Esta reparación provoca una interrupción en la pantalla del siguiente espectador. La interrupción se propaga hasta que llega al televisor real, lo que significa que el televidente real tiene que levantarse y eliminar la falla. Delay: el procedimiento real es la conclusión del procedimiento reproducido.
Créditos
Artista: Peter Weibel
Agradecimientos: Anita Beckers
Peter Weibel (AT)
Peter Weibel (Odessa, 1944) es un artista emergente. Estudió literatura, medicina, lógica, filosofía y cine en París y Viena. Se convirtió en una figura central del media art europeo debido a sus diversas actividades como artista, teórico de los medios, curador y como nómada entre el arte y la ciencia.
Desde 1984 hasta 2017, ha sido profesor en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena. De 1984 a 1989, fue jefe del laboratorio de artes digitales del Departamento de Medios de la Universidad de Nueva York en Buffalo, y en 1989 fundó el Instituto de Nuevos Medios de la Städelschule de Frankfurt en el Meno, que dirigió hasta 1995. Entre 1986 y 1995, estuvo a cargo de Ars Electronica en Linz como director artístico. De 1993 a 2011 fue comisario jefe de la Neue Galerie Graz y de 1993 a 1999 encargó el pabellón austriaco de la Bienal de Venecia. Fue director artístico de la Bienal de Sevilla (BIACS3) en 2008 y de la 4ª Bienal de Arte Contemporáneo de Moscú, en 2011. De 2015 a 2017, fue curador del lichtsicht 5 + 6 – Bienal de Proyección en Bad Rothenfelde.
Peter Weibel recibió el Doctorado honoris causa de la Universidad de Arte y Diseño de Helsinki, en 2007 y de la Universidad de Pécs, Hungría, en 2013. En 2008 se le concedió la distinción francesa “Officier dans l’Ordre des Arts et des Lettres”. Al año siguiente fue nombrado miembro de pleno derecho de la Academia Bávara de Bellas Artes de Munich, y se le concedió el Europäischer Kultur-Projektpreis [Premio al Proyecto Cultural Europeo] de la Fundación Europea para la Cultura. En 2010, fue condecorado con la Cruz de Honor Austriaca para la Ciencia y el Arte, de primera clase. En 2013 fue nombrado Miembro Activo de la Academia Europea de Ciencias y Artes de Salzburgo. En 2014, recibió el Oskar-Kokoschka-Preis [Premio Oskar-Kokoschka] y en 2017 el Österreichische Kunstpreis – Medienkunst [Premio de Arte Austriaco – Arte de los Medios]. En 2015 fue nombrado Miembro Honorario de la Academia Rusa de las Artes en Moscú.
Desde 1999, Peter Weibel es Presidente y CEO del ZKM | Centro de Arte y Medios de Comunicación de Karlsruhe y desde 2017 director del Instituto de Investigación Peter Weibel para Culturas digitales en la Universidad de Artes Aplicadas de Viena.
VESTIBULAR_1. Albert Barqué-Duran i Marc Marzenit
VESTIBULAR_1 es una instalación audiovisual inmersiva que invita al público a deambular dentro de la estructura de un sistema vestibular. En concreto, la instalación induce sensaciones ilusorias de movimiento propio al interrumpir temporalmente el funcionamiento vestibular del público mediante patrones y configuraciones específicas de estímulos de audio y luz.
Cualquier organismo que se mueva por su entorno recibe un flujo constante de señales sensoriales sobre el movimiento propio: entradas de flujo óptico de la visión, información propioceptiva sobre la posición del cuerpo de los músculos, las articulaciones y los tendones, y entradas para la aceleración a través del sistema vestibular. Esto último parece particularmente importante para el movimiento propio (Green & Angelaki, 2010). Bajo circunstancias normales, el cerebro combina de manera óptima las señales sensoriales para el movimiento propio, que se integran con éxito para producir una representación coherente del organismo en el entorno externo. Sin embargo, pueden producirse conflictos entre las modalidades sensoriales cuando las señales sensoriales transportan información discreta. Si se altera el sistema vestibular con información sensorial conflictiva, nos damos cuenta fácilmente de que la forma habitual de percibir los objetos de expresión humana, como las formas visuales, la música y el arte, cambia drásticamente (Gallagher, M., Dowsett, R., & Ferrè, E.R., 2019).
La instalación VESTIBULAR_1 se basa en la innovadora investigación del Laboratorio VeME (Vestibular Multisensory Embodiment) de la Royal Holloway, Universidad de Londres, que investiga el papel que desempeñan las señales vestibulares en la percepción y representación del cuerpo y el mundo exterior y cómo afecta a las preferencias estéticas.
Créditos:
Artistas: Albert Barqué-Duran; Marc Marzenit
Co-Producción: .BEEP { collection;} – NewArtFoundation
Partner tecnológico: Protopixel
Proveedores tecnológicos: Sfëar – Eurecat, Silentsystem
En colaboración con: Elisa Ferrè (Vestibular Multisensory Lab – Royal Holloway, University of London)
Agradecimientos: LaAgencia
Albert Barqué-Duran (ES)
Albert Barqué-Duran, doctor, es un artista e investigador. Es profesor de Tecnologías Creativas y Arte Digital en la Universidad de Lleida y Honorary Research Fellow de la City, Universidad de Londres. Albert obtuvo su doctorado y postdoctorado en Ciencia Cognitiva en City, Universidad de Londres y ha sido investigador visitante de postgrado en la Universidad de Harvard y en la Universidad de Oxford. Sus obras y actuaciones se inspiran en sus investigaciones y combinan técnicas de arte de los new media (inteligencia artificial, creatividad computacional, datos, música electrónica experimental) y métodos clásicos de las bellas artes (pintura al óleo, escultura) para reflexionar sobre temas universales (conocimiento, cultura digital, futuros). Dirige proyectos disruptivos en la intersección del arte, la ciencia y la tecnología con los objetivos de: (1) encontrar formatos novedosos de generación de conocimiento artístico y científico; (2) reflexionar sobre temas contemporáneos y futuristas y sus implicaciones culturales; (3) crear experiencias poderosas para empujar los límites de la percepción humana. Considerado 1 de los 64 “Activistas de la Cultura” en Europa durante 2019 por We Are Europe, y premiado internacionalmente por el “Re: Premio Humanismo”, el “We Are Equals – MUTEK Music Academy”, el “Premio Arte de la Neurociencia”, y el “Premio Internacional Ciudad de Lleida”, Albert ha expuesto y actuado en Sónar+D (Barcelona, España), Ars Electronica (Linz, Austria), ZKM (Karlsruhe, Alemania), Creative Reactions (Londres, Reino Unido), Cricoteka (Cracovia, Polonia), Albumarte (Roma, Italia), SciArt Center (Nueva York, EE.UU.), IGNITE Fest (Medellín, Colombia), Mobile World Congress (Barcelona, España) o el Museo de Arte Contemporáneo Ming (Shanghai, China).
Marc Marzenit (ES)
Marc Marzenit es un ingeniero de audio, compositor, productor musical y Dj con muchos años de experiencia en giras por todo el mundo. Ha actuado en lugares como Londres, París, Nueva York, Los Ángeles, Argentina, México, Australia, Canadá o Asia, sólo por nombrar algunos. Además de su perfil de músico underground, también creó espectáculos como “Suite on Clouds”, un espectáculo de mapeo 3D con 8 violinistas, 1 arpa, percusión sinfónica, sintetizadores y un piano de cola. Estos proyectos se basan en su formación clásica y muestran su visión integrada de la música electrónica: la combinación de instrumentos acústicos, analógicos y digitales en el mismo espectáculo. Actualmente es profesor de “Música y Sonido para Experiencias Interactivas” en ENTI- Universitat de Barcelona; y fundador de Aulart.